Grabando baterías Parte III

Para poner una continuación de la semana pasada empezamos con este video.

La semana pasada vimos un par de formas de microfonear la batería con un solo micrófono y pensarlo en base del estilo de baterista que tenemos en frente. También vimos que para que nos puede llegar a servir un micrófono que capte todo el kit. Hoy vamos a hablar un poco de la continuación en el mundo de los multipistas que fue, grabar con dos micrófonos. Es bueno recordar que todas estas técnicas se fueron dando paulatinamente a medida que avanzaba lo que luego se convirtió en la historia de la grabación multipista. Primero teníamos grabadores de cables que tenían todos los problemas de polarización imaginables y luego fuimos mutando a la cinta, primero de un solo canal y luego sumando cabezales de grabación para poder escuchar a la vez que grabábamos nuevas cosas en otros canales.

Como recomendación les digo que investiguen un poco de técnicas de microfoneo que se usaban en los años 20, 40, 50, 70, 90, etc, porque no solo van a encontrar diferentes tipos de microfoneo sino que también, van a encontrar que los estudios se diseñaban de diferentes formas y lo que se buscaba era diferente en cada época, algunas mas apagado y seco en otro mas vivo y con un espectro sonoro mas amplio.

Ahora volviendo a lo que nos trae a este blog que es el día de hoy Técnicas de microfoneo de dos micrófonos para batería. Uno de los primeros enfoques que muchos hacen es utilizar técnicas como XY, Mid Side, par espaciado, par semi espaciado, blumain, ORTF, etc. Dado que este blog esta destinado a abrir las cabezas y no a explicar lo mismo que todas las páginas que hay solamente se las nombro para que si no conocen alguna la busquen, yo ahora les voy a dar algunas formas de ‘‘inventar’’ algunas técnicas propias y nombrarles algunas menos conocidas.

Primero unos videos que por ahí los ponen en clima

Abajo explica un poco como micfofoneó  que es un Electrovoice R11 y un Shure 57. La realidad es que logró un sonido muy bueno para dos mics como esos. Uno esta arriba como over tomando todo el kit y luego un refuerzo en el bombo.

Esta técnica nos da a entender que al primero que se le ocurrió dijo; ‘’Ok, antes tenía un canal y grababa todo el kit de frente y un poco arriba, ahora siento que siempre me falta un poco de bombo, voy a poner un mic en el bombo a ver que pasa’’ les comento que seguramente ahí vivió el primer problema de fase de la historia, mas allá de que en la teoría existía en la práctica era diferente.

Esta técnica esta muy buena, por lo menos a mi gusto, esta técnica evoluciono en lo que después se conoció como la técnica de Glyn Johns que se hizo super famosa con el tema de Zeppellin when te levee breaks. Lo que me gusta de esta técnica es que se puede captar el balance tonal de los toms y los platos de una forma super natural sin ningún tipo de ecualización, que al menos en lo que es rock clásico es uno de los objetivos.

Si, un artículo corto pero si saben aprovecharlo viendo los videos van a poder mejorar mucho sus sonidos de batería. Como guía laboral les recomiendo que usen los micrófonos como refuerzo y no solo porque lo leyeron en un libro. Empiecen con un mic que tome todo y luego si le falta algo a eso sumen uno mas. O piensen en tomar la batería como una sinfónica asignándole a cada micrófono una cantidad de voces, que puede ser por ejemplo lado izquierdo de la batería y lado derecho. Piensen en que quieren que les quede centrado, si el bombo o el tambor, etc. Esta vez se los dejo un poco a ustedes el proceso de experimentar.

Como siempre, agradezco respuestas, recomendaciones, y propuestas.

Esperamos vernos pronto por el estudio

Sebastián Vitale,

            Estudios Linar

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estudioslinar@gmail.com

Grabando baterías Parte II

Bueno, continuemos. Asumiendo que ya tenemos todo preparado a nivel acústico, ahora tenemos que llevar todo eso a nivel  eléctrico. Tenemos varias formas de pensar el microfoneo de una batería, y podemos incluso utilizar varios conceptos. Vamos a empezar  con técnicas de uno, dos y tres micrófonos.

Creo ya haber hablado hace mucho tiempo de micrófonos y baterías. Es todo un tema, desde lo psicológico hasta lo técnico. Lo psicológico dado que mentalmente uno creé, sin antes saber nada que grabar una batería es difícil. No se equivoca pero el hecho de que sea un instrumento multivocal y multiposicionales, dado que posee más de una voz y están colocadas en diferentes posiciones (tambor, bombo, toms, platos). Todo esto genera los clásicos problemas de fase entre canales, que es la ‘’primer’’ traba técnica con la que nos encontramos, hay una regla simple que es ‘’A mas micrófonos, mas problemas de fase’’. Para poder entender que es fase les dejo un resumen y después ustedes pueden buscar más sobre física del sonido pero Básicamente es:

‘’… La cancelación de fase se da cuando en una pista tienes una curva cóncava y en otra una convexa, es decir, una para arriba y otra para abajo. Al ocurrir esto los valores se anulan. ’’

Si estudian un poco más sobre esto van a saber que no solo sucede cuando esta diferencia es de 180º sino también en otras situaciones como 30º o cualquier valor excepto 0º. El problema se da cuando la cancelación se hace audible y reduce la definición del sonido. Si no existen problemas audibles no hace falta tocar nada. Sin embargo hay quienes eligen que todo suene totalmente alineado y que no haya diferencias de fase, personalmente creo que es un poco innatural, pero cada es dueño de experimentar todo o abstenerse a lo que les comento.  Como decía, a mas mics mas problemas de este tipo que se dan básicamente por la distancia de los micrófonos a las fuentes. Por ejemplo el micrófono que está en el tambor recibe la señal del tambor en 5.7 e-5 (elevado a la -5) segundos, básicamente, inmediatamente. Mientras que un micrófono situado a unos 4 metros, tarda 0.01 segundos o 10 milisegundos. Entonces en el mic del tambor tenemos una señal en el segundo 0, mientras que en el over el tambor que también se escucha a 10 milisegundos de diferencia. Esto nos genera varias cuestiones. La primera es que en uno de los dos mics sentimos más ambiente, por una cuestión tonal y de distancia. De modo que cuando levantamos el fader del canal close del tambor, y luego el over vamos a sentir al tambor más lejano, esto no es ni bueno ni malo, son solamente diferentes sonidos. La segunda es que el timbre del tambor va a ser diferente en uno y en otro. Seguramente en el close mic sintamos que es un tambor lleno de graves y medios, mientras que en el over vamos a escuchar más agudos, y con graves menos definidos.  Esto se da debido a que las ondas no viajan todas a la misma velocidad y las que viajan mas rápido son las frecuencias agudas, por lo tanto llegan primero al over, mientras que en el tambor, tenemos prácticamente la misma demora entre graves y agudos, sumado al efecto de proximidad.

Este primer parámetro nos sirve para empezar a pensar en que estilo de batería queremos lograr. Por ejemplo, una batería con mucho ambiente, o con los cuerpos super enfatizados, con mucho o poco ataque. Por ejemplo un mic frente a la batería tiene menos ataque que uno atrás. Los obres y los ambientes son muy importantes en el sonido si lo que buscamos es un sonido orquestado y parejo, para lograr eso también necesitamos un baterísta que haga bien de orquestador y no uno que se quede solamente en el tambor y el bombo haciendo un beat básico de batería. Dos ejemplos claros son:

Si no logramos grabar a un baterista equilibrado y medido en sus golpes con control de la dinámica, el fraseo, el ritmo, la armonía, el tono, la intención. Ese trabajo ya no corresponde a los técnicos, sino al músico mismo. Eso sucede en todos los órdenes. Muchas veces sucede que no sabemos porque algo no termina de gustarnos como suena, pero es cuestión de saber ver los límites de la capacidad musical del intérprete para que no pidamos mas de lo que esa persona puede y no creemos un clima tenso, a veces es mejor dejar algo para mas adelante y que el músico pierda eso que existe en la primera y segunda toma. Volviendo al estilo de bateristas, ahora veamos un ejemplo donde el baterista es una pieza de dos instrumentos.

La principal diferencia en estos bateros además del estilo es el enfoque que tienen como músicos, mientras que uno es la línea de apoye de la banda el otro es un instrumento melódico propio, Tony se mezcla con los músicos interactuando de una forma libre mientras que Otto es la línea en donde todos los músicos buscan una referencia en el tiempo y en los acentos. Quizá uno de los conceptos de la música comercial (esto va para otro artículo, pero comento algo) comercial es esta, la marcación de los tiempos, mientras que el jazz es mas libre en el sentido de que se usan síncopas y contratiempos que desestabilicen a los oyentes, también por una búsqueda personal de los músicos que naturalmente tienden a hacer cosas mas complejas porque el estudio mismo del instrumento los lleva a ese camino.

Ahora volviendo a el modo de grabación, debido a que vamos a empezar de menos a más mics, vamos a empezar por los estilos mas ambientales, como tony williams.

Lo primero que podemos hacer con un baterista es poner un mic que tome todo lo que hace de la forma más pareja posible. De este modo en el primer canal que tenemos ya podemos escuchar el kit completo, es un buen comienzo para poder ir viendo como vamos a avanzar en la batería. Con respecto al micrófono del kit tenemos varias cuestiones:

1)      Ambiente

2)      Tono

3)      Ataque

Como dijimos al comienzo lo primero que escuchamos al momento de alejar un mic es el ambiente, esto ya dijimos que se da por el cambio de tono y también en el hecho de que escuchamos la resonancia de otros cuerpos, por ejemplo el bombo que resuena con algunas frecuencias del tambor, etc. La manera de cambiar el ambiente es simple, alejando y acercando el micrófono, no hay magia en eso. Luego de eso tenemos que elegir a donde acercar o alejar el mic dado que tenemos 360º en sentido horizontal y 180º en sentido vertical (una media esfera). Lo mejor en mi opinión es ir rodeando al baterista y elegir un punto donde la batería este nivelada. Mi enfoque para escuchar el punto dulce de la batería es primero buscar el ataque, luego el tono y después el ambiente. Al revés de cómo los numeré.

El paso numero uno esta hecho que es tener un mic en donde grabando ya podamos escuchar la batería bien. Yo en general empecé a usar este mic como una regla general. Aclaro que es solo un mic, no un par estereo ni nada, la idea es un canal, una batería, por lo menos en este enfoque que estamos encarando.

Como Tip les digo que la batería de frente tiene menos ataque y mas graves que la batería desde atrás.

Aca les dejo algunos ejemplos que aunque sea con mics de cámara algunos, sirve.

Como primera escucha pueden notar que el sonido logrado es bastante normal, hasta quizá serviría como room de una batería de rock, necesitando mucha compresión. Sin embargo yo escucho un poco desalineado el tambor en comparación al resto de los cuerpos, eso puede ser por varias razones, una de ellas puede ser que tenga menos fuerza en su brazo derecho (dado que es zurdo) o el posicionamiento del mic. Personalmente siento al tambor mas lejano que al resto de la batería y eso a mi personalmente no me atrae mucho, son gustos personales ya, no lo tomen como una regla.

No solo otro posicionamiento, sino también otro estilo de batería. El sonido de la batería sirve mucho para jazz-funk, sobre todo por el sonido de bombo amplio con poca sordina. para una banda donde es todo tirando a sonidos acústicos usaría un mic de este estilo con un par de refuerzos. Esta bueno que empiecen a pensar en estilos de microfoneo que usarían para lograr cosas que escuchan.

Este último video encuentro quizás el mejor de los tres videos, puede ser por muchas razones, pero lo que se oye es una batería mas balanceada teniendo al tambor como actor principal de lo que se toca y no dejando que los toms ni los platos lo superen, con un ataque en los cuerpos justo (para lo que esta tocando), en este caso el mic esta posicionado arriba de la batería.

Como pueden ver el posicionamiento del mic da diferentes sensaciones, diferentes tonos, ataques y ambientes. Como consejo personal les digo que antes de grabar un tema le pidan a la banda un demo, ya sea de otros temas o del tema, para que ustedes puedan ir viendo que es lo que van a hacer llegado el gran momento. Digo otros temas porque en general las bandas tienen una identidad y creo que como técnicos uno de nuestros deberes es encontrar la personalidad de los músicos sonoramente en los discos, es un proceso de a dos, la banda y nosotros, que lleva mucho tiempo pero que no es imposible, si escuchan el primer disco de Divididos (40 dibujos ahí en el piso) y el segundo acariciando lo áspero van a comprender lo que digo. En el primer disco todo venía derivado de los sonidos de sumo, mientras que en el segundo se consolidan como un trío de rock único.

Como primer ejercicio podría decirles que vayan al ensayo de una banda amiga y mas allá que el sonido de la batería no sea bueno en sí, las cualidades acústicas de posición se van a mantener. Caminen alrededor, de la batería y vayan anotándose lo que escuchan, para que les puede servir eso que están escuchando e ideas que se les vayan ocurriendo a medida que oyen al baterista.

Como siempre, agradezco respuestas, recomendaciones, y propuestas.

Esperamos vernos pronto por el estudio

Sebastián Vitale,

            Estudios Linar

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Grabando baterías Parte I

Hoy vamos a hablar de técnicas de microfoneo de batería. Vamos a empezar de menos a más. Espero que esto sirva no solo para que aprendan quizá una nueva forma de micrófoneo, sino también como una manera de generar un concepto al momento de tomar decisiones, cada proyecto tiene sus necesidades de aire, de compresión, de sonoridad, tono, etcétera. Cada técnica de microfoneo nos brinda ventajas y desventajas que vamos a ir diciendo a lo largo de este artículo.

Arranquemos por lo básico y como siempre digo, el trabajo pre grabación que es a lo que mas nos vamos a dedicar en este artículo, no en vano, como bien saben cuando empiezan a estudiar un instrumento pasa lo mismo, primero ven la técnica para no lastimarse y después salen a tocar, acá nosotros primero tenemos que preparar los sonidos para luego grabarlos de la mejor forma posible.

Hablemos un poco de tamaños. Los cuerpos de una batería se dividen en dos proporciones, la primera ancho y la segunda largo. Cada uno de estos factores determina algo de la batería, en el caso del ancho, determina el tono del cuerpo, algo obvio. Mientras tanto el largo determina el sustain del cuerpo. Sin embargo hay mas factores que determinan el tono y el sustain de una batería.

Empecemos por el tambor. Lo primero que tenemos que saber es que generalmente el tambor se afina en LA naturalmente. La forma que podemos empezar a afinarlo es dando a cada torre 3 medias vueltas, tomando una torre inicial como referencia, luego dando media vuelta a la enfrentada, luego ir una torre hacia la derecha y hacer la enfrentada que es la que está a la derecha de la segunda torre que afinamos y así con todas.

Está claro que también se puede hacer al revés y en vez de girar hacia la derecha giramos hacia la izquierda.

Vale aclarar que esto es para parches nuevos y tanto para los parches de arriba como los de abajo.  En mi experiencia personal 3 medias vueltas no es suficiente y suelo darle un cuarto de vuelta más a todo. Dado que somos imperfectos tenemos que ir controlando todo el tiempo que las torres bajen parejas, aunque nosotros demos media vuelta podemos pasarnos unos milímetros o quedarnos cortos, de modo que la forma de controlarlo es golpeando suavemente cerca de la torre (en el parche) e ir corroborando que los armónicos sean similares. Una vez que encontramos el tono que buscamos podemos pasar a la segunda fase, que es el parche de abajo o resonador.

Este parece es muy importante, quizá hasta más importante que el primero. El parche resonador es el que determina el sustain del cuerpo, y no solo eso sino también la cantidad de bordona posible en el tambor. El primer acercamiento que tenemos que hacer es hacer 3 medias vueltas y dejarlo igual que el parche de arriba. Esto funciona así de modo que cuando uno golpea el parche de arriba el sonido mueve al parche de abajo y vibran en una coherencia y no se cancela ninguna vibración, es todo natural. Pero que sucede cuando queremos lograr otra cosa, un sustain mas largo o mas corto. ¿Cómo lograrlo?

Es cuestión de razonarlo un poco. Supongamos que tenemos una cama elástica en donde nosotros queremos saltar para sentirnos una tenue mariposa en un prado lleno de esas pequeñas flores blancas suaves como el algodón y con un aroma vivo como las nubes. O quizá solo queremos intentar romperla, cualquiera es válida. Entonces tenemos esa goma que básicamente es un parche, y a ese parche lo sostienen unos resortes que son nuestras torres. Si las torres están flojas la goma saltarina esta floja y eso nos hace tener menos impulso, que en el caso de la batería sería menos rebote del palo. Pero en cuestión de sustain, cuando la goma está ajustada queda vibrando más tiempo y cuando esta floja menos. Volviendo de toda esta analogía digo que cuando el parche resonador está más ajustado el sustain es mayor y cuando esta flojo menor. Sin embargo tomar la decisión de si queremos mas sustain o menos no viene sola, sino que al apretar más el parche también cambiamos el tono del mismo y al tocar el parche de arriba se genera como un efecto doppler en el cuerpo donde escuchamos que el golpe empieza agudo y termina grave o viceversa, empieza grave y termina agudo. De modo que al momento de elegir sustain para un cuerpo tenemos que tener en cuenta esto. Otra cosa a tener en cuenta es el hecho de que si apretamos mucho el parche resonador también la bordona va a vibrar menos, lo cual tenemos que encontrar un punto medio entre todo esto.

Como siempre, agradezco respuestas, recomendaciones, y propuestas.

Esperamos vernos pronto por el estudio

Sebastián Vitale,

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Plug Ins

Estuve todo el día pensando en que escribir, haciendo un poco de revisada por los temas me decidí por hablar sobre esas cosas que al mundo no les importa pero a nosotros sí.

De modo que si, vamos a hablar de Plug ins, no hablo de hacer una revisada de cuales son los mejores y los peores, sino mas bien, cuanta verdad hay en estos pequeños juguetes que usamos día a día en nuestra labor. Quizá como fue pasando en todo el globo terráqueo que es la música se fue dándole mas importancia a algunas banalidades que a la raíz de lo que esta sucediendo. Seguramente tenga una opinión formada muy diferente a la de muchos en cuanto a esto sucede. Pero yo creo que ser técnico es algo más bien como un hobbie, y la música es otra cosa, es la expresión del alma. Quizá metiéndome en el alma de Pappo digo que la labor de un técnico no es más que tocar perillas y grabar lo que pasa. Pero

¿que pasa cuando esta labor no esta hecha 100% bien?.

Ahí aparecen los plug ins. No es mas que un solucionador de problemas. Tomamos una toma del bombo que nos quedo sin graves, metemos un plug in de ecualización, cualquiera sea, el Q10, el HLS de Kramer, el API 550, el pultec, el SSL, o cualquiera, y vamos subiendo graves o lo que haga falta.

¿Si todos los plug ins hacen lo mismo, entonces porque siguen saliendo nuevos?

La realidad es que los plug ins (sobre todo ahora) son simuladores de equipos reales, de hardware históricos, como AMPEX, API, FAIRCHILD, etc. Y estos equipos sonaban todos diferentes, por X o Y razón. De modo que cada uno se fue caracterizando en algo en particular por lo que hace que la gente los elija antes que su competencia en el mercado.

Ahora, ¿cuanta verdad hay en esto que nos venden?

No mas que la que nosotros podamos ver, obviamente las empresas siempre nos van a decir, ‘’esto que te vendemos es lo mejor que vas a usar en tu vida, nunca mas vas a tener que comprar nada si compras esto’’ así como la publicidad de Coca Cola nos intenta vender que por tomar Coca cola vamos a vivir en un mundo mejor, diciendo cosas como ‘’por cada tanque se fabrica en el mundo, se fabrican 131 mil peluches’’, claramente el que cae en esa trampa es por ingenuo. Pero volviendo a lo que nos importa que es el audio, no debemos olvidar que esto es un negocio, y en todo negocio hay política, hay trampa, hay tranza, y demases climas oscuros. Por eso digo que la única verdad es la que nosotros podemos ver, y esa verdad se ve a través del estudio y análisis personal de lo que sucede a nuestro alrededor.

Quizá lo deberíamos ver como una carrera de autos en donde si 10 conductores corren en un circuito 10 carreras, el que gana es el mejor conductor y no el mejor auto,  porque hasta la mejor máquina puede perder por ser usada por un mal conductor.

Acá pasa lo mismo, y lo digo desde una crítica personal porque yo teniendo el mismo equipo he hecho trabajos espantosos y buenos de modo que no son los equipos los que eran malos o buenos sino yo que tome mejores o peores decisiones, y esas decisiones fueron tomadas en base a lo que supe en cada momento. Esto me hace acordar a dos casos particulares de dos guitarristas, el primero el de jack Withe donde todos los discos de los Withe los grabo con su famosa guitarra de plástico 

y la segunda de the Edge de U2 en donde la guitarra que usa es la primera que compro por unos 250 o 300 dolares. De modo que ¿GRANDES PRODUCTOS = GRANDES SONIDOS?. Yo creo que no. No digo que buenos equipos faciliten la tarea pero quizá es más divertido luchar contra la corriente, como una especie de resistencia. Mi objetivo es poder grabar un disco en done no tenga que usar mas que micrófonos, una consola, una interfaz y nada mas. Es un reto interesante. Pero es mi reto, sería bueno saber que hay muchos retos personales ahí afuera. Quizá la industria logro lo que quería y apago muchas mentes, y les quito la experiencia de experimentar, probar y aprender de uno. Hace unas semanas leía una entrevista a un baterista que decía ‘’Una vez que leíste muchos libros, y te salen ya no tiene mucho sentido seguir leyendo mas, solo hay que salir y tocar y comenzar el verdadero camino, lento e inseguro que es confiar en uno’’. Creo en esa premisa y en todo lo que implique probar cosas nuevas. Los plug ins ahí están de refuerzo por si nos equivocamos en ese proceso de experimentación y aprendizaje, y creo que ese tiene que ser su lugar, hoy y mañana.

Por el día quizá ya este bien de info., que no dije nada más que una opinión, pero quizá les sirva de mucho. Si quieren ver un poco de esta ideología vean entrevistas de STEVE ALBINI, que tiene una idea que va por este lado.

Aca les dejo una buena entrevista.

Como siempre, agradezco respuestas, recomendaciones, y propuestas.

Esperamos vernos pronto por el estudio

Sebastián Vitale,

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Ahora veamos a ver que pasa

Pequeño video de como trabajamos en estudios linar, esperemos que les sirva.

Hoy Guitarras acústicas

Hoy vamos a hacer varias apreciaciones de cómo grabar guitarras acústicas. Vamos a usar varios tipos de micrófonos y varios tipos diferentes de técnicas de microfoneo. Al final del artículo les dejo el link de megaupload o los links en Wav.

http://www.megaupload.com/?d=EB20D91H

Primero antes de empezar voy a nombrarle aca los micrófonos que vamos a usar:

Shure sm 59

Shure A 10

AKG perception 420

Samson C01

Samson C03 (figura de 8)

Arranquemos por donde nos enseñan en las escuelas, 1 micrófono frente al traste 12 a unos 15 cm aprox.

 En las carpetitas van a encontrar una carpeta que dice ‘’Traste 12 a 16cm’ Ábranla y ahí van a encontrar archivos de audio con el nombre de los mics.

La segunda técnica de microfoneo es abajo del traste 17 aproximadamente a unos pocos centímetros de la madera, esta forma la encontré yo experimentando con un micrófono (el 59) y me había gustado mucho.

En las carpetitas van a encontrar una carpeta que dice ‘’Madera’’ Ábranla y ahí van a encontrar archivos de audio con el nombre de los mics.

Ahora sigamos con otra forma que de alguna manera es un Mid Side simulado. Esta técnica surje de mi necesidad de hacer que la guitarra suene mas amplia en el paneo, sin la necesidad de doblarla. Para esto decidí hacer un mid side en el traste doce, pero me encontré con un problema y es que la guitarra que quedaba paneada hacia un lado, (Dependía de donde ponía el mic invertido de polaridad) esto era debido a que el side estaba por un la do de la figura de 8 apuntando a la boca de la guitarra y el otro lado a la sala, de modo que la presión que recibía el mic era despareja. Así que lo que hice fue poner el side justo en frente de la boca y el mid en el traste 12 o el que me pareciera, y así conseguí un panorama mas amplio de la guitarra que me sirvió mucho sobre todo para grabaciones de una sola acústica y una voz donde necesitaba llenar espacio.

Les voy a poner un solo ejemplo del mid side junto (Ambos en el traste 12) y después La otra forma.

Voy a usar de side siempre el C03 y como mid a los demas, voy a intercalar los microfoneos, es decir no van a ser todos en el traste 12 o en la madera, ustedes oigan bien y deduzcan cual es, ya tienen los audios anteriores.

En las carpetitas van a encontrar una carpeta que dice ‘’Mid side’’ Ábranla y ahí van a encontrar archivos de audio con el nombre de los mics.

En esta carpeta ademas de todos los mid side tiene un Bluemein que es dos mics en figura de 8 que forman  una X siendo cada punta de la X uno de los polos de captación.

Empecemos con el análisis de cada uno

Traste 12 a 16 cm

1.        Shure sm 59: Tiene un sonido de graves bastante feo y sin peso, es como un montón de frecuencias graves ahí tiradas y desordenadas que le sacan claridad a la guitarra, pero por otro lado los medios altos son realmente bonitos, sobre todo el sonido del rasgueo y los armónicos que le siguen para arriba. Si buscan en Internet el micrófono van a ver que es pequeño así que era de esperarse que los graves no fuesen buenos. Sin embargo a este mic yo lo suelo usar siempre en acústicas para conseguir el rasgueo, todo el resto lo filtro con un pasa bajos y afuera.

2.        AKG Perception 420: Los graves me siguen pareciendo feos, e innaturales de hecho,  pero eso ya tiene que ver con la técnica de microfoneo, sin embargo en este micrófono encontré unos medios graves muy claros, se nota sobre todo cuando en el segundo 0.23 empieza a hacer una bajada en la cuerda 6. los medios me parecieron bien, quizá podría bajarle un poco dependiendo del estilo y los agudos están al límite de lo molesto, por eso elijo los del 59.

3.        Shure A 10: Lindo sonido para una segunda guitarra en un tema de rock como por ejemplo la Reina de Marte de Massacre o algo por el estilo. Tiene muchos medios pero exceptuando eso, es el más parejito que encontré con esta técnica de microfoneo. Cabe nombrar que es un micrófono dinámico como el 57 asi que la respuesta al impulso es mucho mas lenta lo que trabaja como una especie de compresor lo cual esta bueno dependiendo el uso, a este mic lo clasifico así, un micrófono roquero.

4.        Samson C01: Me gusto para un uso general, es un mic que a mi me gusta, hay algo que quizá se hace ver en los grandes manuales de audio y es el uso de equipos ‘’profesionales’’, y la realidad es que tales equipos no existen, o por lo menos como yo lo veo. Este mic cuesta alrededor de $430 (Pesos) y a mi siempre me funciono, para tareas varias, tiene algo raro que le da un sustain y pseudo mistisismo que me encanta y seguramente sería mi primer opción para grabar una acústica como las de yes o Jon Anderson. Es una muy buena opcion y a un precio realmente accesible, incluso ahora salio el que tiene una interfaz interna, osea que con un cable USB conectas y listo, tenes tu mic para grabar.

5.        Samson C03: Básicamente un quilombo de graves extremo, y en este caso se da poorque el mic esta en figura de 8 y la salita donde grabamos es bastante pequeña, recuerden siempre que mientras mas grande sea la sala mejor, mientras no sea una bola de reverberación. Pero de esa forma evitan ondas estacionarias bastante molestas.

Madera

Como ejercicio estaría bueno que pongan las tomas de ‘’traste 12 a 16 cm’’ y vayan oyendo las tomas del mismo mic.

1.      Shure sm 59: Escuchando lo primero que grabamos con el 59 encontramos inicialmente que hay mucho mas cuerpo en la toma, mas alla de que sean dos piezas diferentes el balance tonal es mucho mas parejo en esta toma que la anterior, subiendo solo un poquito de agudos ya esta técnica esta para mezclar prácticamente. El rango medio-grave de frecuencias bajó bastante y le dio mas claridad al instrumento, personalmente cuando voy a duplicar guitarras o triplicar o cuantasquierauplicar uso esta técnica con este micrófono.

2.      AKG Perception 420: Sigue estando pasado de graves pero mucho menos, pero a favor tenemos que los medios y los agudos están mucho mas presentes lo que nos hace ecualizar mucho menos que al fin y al cabo es el objetivo de todo este trabajo, tanto de este artículo como el del estudio y el de cualquier técnico.

3.      Shure A 10: en este micrófono me gustó mas la toma del traste 12 (evitar chistes, aunque les paso uno para decirle a sus músicos cuando afinan, le dicen: Tirame la con el traste al aire’’) esta la encontré mas desbalanceada y con el ecualizador que tengo a mano probando tardé mas y quede menos conforme en cuanto al resultado, así que por ahora 2 a 1

4.      Samson C01: No encontré grandes cambios que hagan la diferencia mas que los graves que en esta toma de madera estan mucho mas controlados. 3 a 1

5.      Samson C03 (8): Un panorama poco claro, pero seguramente este mic a un poco mas de distancia estaría bueno para una intro que suene chiquita y que después arranque el tema con todo.

Mid side

Esto no es mas que una extensión de lo antes dicho, lo que esta bueno es que se abre mucho el paneo y nos rellena mas espacio lo cual si hay pocos instrumentos es bastante útil. Fijense cual les gusta mas, que usarían para que y prueben ustedes en su casa cosas, un par de auriculares un micrófono y mover la guitarra hasta que digan ‘’este es el sonido que quiero’’. Un tema que no marque es que no busque la sala que mejor sonara la guitarra que es el segundo trabajo, a mi personalmente me gusta como suena el baño que hay acá, porque los azulejos dan unos agudos que me gustan mucho y como el baño es pequeño no hay tanta reverberación.

   Como digo siempre, no confíen en los manuales ni en la típica ‘’sala acustizada’’, muchos discos famosos fueron grabados caseramente, como Porcupine tree, aca les dejo un link del estudio que usan por lo general (http://www.youtube.com/watch?v=gnHmrN7_eOw&feature=related), de hecho se ve a un contrabajista grabando en un cuartucho cualquiera de la casa. Acá les dejo uno de los resultados finales diríamos (http://www.youtube.com/watch?v=xa4ZKXU9oNg).

  El arte de grabar no es muy distinto de cualquier otro arte, un pintor experimenta montones de formas de pintura hasta que encuentra la propia mediante la experimentación. Sino me creen vean todas las épocas de Picasso.

De modo que esto que les mostré no es mas que parte de mí búsqueda y estaría buenísimo que ustedes experimenten y compartan así nos vamos todos para arriba en todo sentido tanto de trabajo como de conocimiento y calidad de grabación e interpretativa en el caso de los músicos. Para que los músicos sigamos viviendo, por lo menos los independientes tenemos que apoyarnos realmente y comprar discos, apreciar el arte de un disco, interesarnos en mejorar e ir a clínicas de quienes nosotros pensamos que saben mas, y generar un círculo en donde todos podamos crecer. Esperemos que de a poco se entre en conciencia que si hacemos todo el arte gratis no va a haber mas artistas, pero si muchos mas administrativos, porque nadie va a poder vivir del aire.

http://www.megaupload.com/?d=EB20D91H

SUERTE, BUEN AÑO Y LOS ESPERAMOS EN EL ESTUDIO

Cada día me encuentro con una situación similar en las sesiones, y es que muchos músicos no conocen las  SUB DIVISIONES DEL TEMPO. Más allá que el nombre parezca una seguidilla del libro de arena de Borges no lo es. Antes de poner a hablar yo y explicarlo me pareció que ponerles un video de un grande como Jorge los iba a inspirar mas, así que acá él explica las subdivisiones desde negras a fusas, así que a escuchar y practicar.

Bueno hoy pensé en ponerme explicar sub division de tempos pero me pareció que Jorgito lo explica mejor que yo y seguramente le den mas bola.

  Esos ejercicios que hace Jorge son aplicables a cualquier instrumento, por ejemplo en una guitarra podemos primero empezar haciendo estas sub-divisiones en una sola cuerda en una sola nota, y después aplicarlas a escalas, lo mismo con cualquier cordófono. Para los vientos el ejercicio es el mismo, primero entender la figura y después esparcirla por el registro del instrumento. Seguramente lo mas difícil de lograr sea el quintillo y sobre todo el septillo pero son posibles, una vez no recuerdo donde lo leí que decía ''si podes escucharlo podes hacerlo'', y es solo cuestión de práctica. Mi recomendación es que arranquen super lento como por ejemplo negras 60 (acá les dejo un link con un metrónomo para practicar http://www.tabguitarlessons.com/free-metronome.htm ). después una vez que dominen la figura vayan subiendo el tempo de a 5 bpm, y cuando les cueste quedarse ahí hasta que salga prolijo.
  Solo les recomiendo que no se vuelvan locos si no les sale en un tiempo, quizá tarden un mes en comprender las figuras, pero si lo dejan no les va a salir nunca.


  ¿Por qué esto es importante para un técnico de grabación?
   
     Simple, porque mientras mas comprenda un técnico de música y de sonidos mas útil va a poder ser para el músico, tanto como para el que sabe como para el que no. Así también de armonía por ejemplo y de lineas melódicas, el mundo de la música es muy grande y hay que tratar de conocer todo lo que se pueda para poder estar preparado para cualquier situación. y no digo de conocer todos los instrumentos de la historia pero si por lo menos si nos dan algo que no conocemos poder determinar como se genera el sonido en ese instrumento para poder grabarlo bien y con un criterio.


Articulo corto pero largo para el que se ponga a hacerlo.


Por cierto estoy dando clases de batería, así que si les interesa o saben de alguien pásenle mi mail:

vitale.sebastian1@gmail.com


Saludos y suerte,
                          Sebastián Vitale



P.D.: FELICES FIESTAS


P.D.2: Practiquen todo con metrónomo!!!

Desmitificando mitos

Hoy desmitificando mitos. ¿Qué es esto?, simple tratar de encontrar la forma de que sea público el hecho de que no todo es posible con las nuevas tecnologías, de hecho yo creo que nada real es posible con las nuevas tecnologías. Si podemos editar, si podemos afinar, podemos cambiar sonidos con triggers, podemos inventar músicos que nunca estuvieron ahí, pero eso en realidad es toda una farsa, que a mí personalmente no me gusta nada.

Me encuentro en la semana pasada haciendo la música de una publicidad que va a estar en Internet y en la calle corrientes y florida (o alguna peatonal que no recuerdo), y me piden una serie de cosas con las que cumplo de a poco, como todo trabajo el resultado final no es mas que una gran escalera de pequeños logros.  De a poco van surgiendo los clásicos ‘’queremos que explote mas en el estribillo’’, ‘’queremos que el tema sea mas guitarrero’’, ‘’le falta esto, le falta aquello’’. Así vayan sumando todas las cosas que se les ocurran. La cuestión es que algunas cosas se pueden hacer, otras no y otras se hacen y ellos nunca se enteran, y uno ahí es cuando los prueba para ver si respetamos o no su opinión, porque en el fondo trabajo o no uno es un músico, un artista y tiene cierto respeto por su obra aunque sea para una publicidad, una obra o cualquier otra cosa a pedido, ese suele ser un obstáculo para ellos y para nosotros porque queremos lograr las cosas a nuestra manera y ya tenemos una opinión formada y quizá nuestra manera no es la de los otros y hay que negociar un punto medio.

Por ejemplo algo que hay que primero hay que hacer es saber que un tema hecho a pedido nunca pero nunca va a tener onda, sentimientos, groove, densidades interesantes, etc. Básicamente porque conseguir esas cosas llevan bastante tiempo, sino tower of power no sonaría como sonaba con Garibaldi en la batería. De modo que el primer mito de estudio o de la música a desmentir es que nada bueno sale de estar dos horas con una guitarra mientras miras los simpsons, si quizá salga alguna idea muy buena, hay temas que hice que los compuse inicialmente mirando un programa de soledad silveira (o como se escriba), pero nunca va a salir nada terminado, quizá a paco de lucía pero a nosotros los humanos no creo, de hecho Malosetti dijo en una entrevista que se pone con el bajo o la guitarra a mirar tele (Animal planet) con el volumen en off y toca encima.

Primer cuestión: algo bueno sale del alma de uno, y no de las matemáticas musicales.

Luego, no todo se puede editar, los programas como el nuendo o el pro Tools suelen laburar en subdivisiones de 2 o de 3, es decir negras, corcheas, semi corcheas, fusas, semi fusas, y tresillo de negras, tresillo de corcheas, seisillos. Pero la máquina no suele pensar en eso solo divide en espacios de 3 mas chiquitos o de dos. Acá hay un problema interesante, todas las subdivisiones del medio quedan totalmente anuladas. Por ejemplo quintillos, septillos, nonillos, quedan todos afuera, y son inevitables, se que son cosas que no están todos los días y los temas no suelen tenerlos en abundancia pero no estan, y luego hay otras situaciones donde tempos binarios o ternarios se hacen complejos de editar porque están mezclados. Otro caso es cuando por ejemplo tocamos un plato con bastante sustain, y el plato dura 4 tempos y cada 4 tempos tocamos ese plato por x razón y nos piden que el plato suene cada 16 tempos es decir 4 copases de 4/4 o 12/8 y esto se hace imposible porque cuando queremos pegar el cachito con el segundo decay nos encontramos con que suena rarísimo y no se puede hacer. Esto es lo que me paso en la publicidad puntualmente.

Otro tema es la afinación de las voces, como saben seguramente hay dos maneras de afinar, una es trabajando para que se note y la otra para que no se note. Por ejemplo cheer, labura para que se note, y Audioslave labura para que no se note. Después existen quienes son totalmente puristas y no lo usarían ni por casualidad, por ejemplo Jack White, los Mick Jagger, Robert Plant, entre otros. Es muy difícil en ocasiones afinar sin que se note pero por eso es bueno tener varios programas para ver que es mejor para cada caso. Por ejemplo en lo que a mi respecta, el Waves tune, no sirve de nada, primero porque nunca encontré la forma de que no te lo afine automáticamente, y segundo porque a veces lo que haces totalmente errado. Despues el Melodyne, que gano fama en el ultimo tiempo es muy bueno para cambiar notas, yo mas de medio tono arriba o abajo no suelo cambiar, si es una nota pequeña un tono es soportable, mas se suele notar, lo bueno del melodyne es que seleccionando todas las notas y doble click se afina todo bastante bien y después es cuestión de escuchar y ver que falta. Después el auto tune a mi siempre me funcionó muy bien para afinar notas apenas desafinadas y la verdad que labura increíblemente bien. Hay mas pero nunca los necesité. Se que hay algunos que te hacen armonizaciones con la posibilidad de que sean voces de mujer o de hombre o una mixtura, pero la verdad que nunca funcionan bien esos trucos.

Mitos, mitos, debe haber mil, otro que se me ocurre es el famoso ‘’despues en la mezcla lo arreglamos’’, ‘’despues se edita’’, después, después, después, ese método de trabajo no lleva a ningún lado, creo que la unica forma de que algo suene bien es haciendo el esfuerzo de que todo salga bien de una primera vez, y esto no es que el músico grabe en una primera toma, sino que si el mic del bombo lo sentimos con poco Kick apuntarlo mas al centro del parche, acercarlo, alejarlo, etc. No existe ningún plug-in mágico, el plug-in que hay que usar es el oído, y es el mas difícil de aprender a usar.

Otro mito que es como algo latente en muchos casos es que da todo igual, con esto quiero decir por ejemplo en el caso de las voces usar el mejor micrófono que hay en el estudio, por ejemplo un U87 y dejarlo porque es un U87, si la realidad es que es un micrófono increíble, pero quizá no sea bueno para la voz, pensaba esto viendo el otro día encuentro el en estudio con Rubén Rada. En los momentos que hablaba Lalo Mir, el micrófono parecía fino, sin graves, sin cuerpo y medioso. Mientras que cuando hablaba el negro Rada el micrófono sacaba todo su potencial, los graves de Adar eran claros, fuertes pero no demasiado abrarcativos como para perder inteligibilidad. Es por eso que yo particularmente suelo grabar una fuente con más de un micrófono, uno para captar graves, y otros medios o agudos. Obviamente grave o agudo depende de la fuente, un charango nunca va a tener un grave intenso en 40 Hz, pero si tiene sus graves, que son más bien medios en el espectro general del sonido, por eso un micrófono que capte bien medios es útil, yo por ejemplo para algo como una armónica, o un charango uso un mid side usando un sm59 como mid y el perception 420 como side.

Otro mito, el músico no sabe nada. Eso es una obvia mentira, pero a veces si sucede que en el estudio les hace falta una ayuda para ver algunas cosas, explíquenlas con la mejor onda, sepan que alguna vez ustedes tampoco supieron, nade nace siendo un genio, ni un sabio, de modo que no hay porque enojarse, ni ser impaciente con alguien que no sabe, hay gente que tarda el cuadruple de tiempo en entender algo. Por ejemplo yo mismo, tengo una cuestión con la concentración que recuerdo de chiquito me dijeron que así como mis compañeros tenían que leer alguna vez y se lo acordaban yo quizá lo tenía que leer dos, con el tiempo me di cuenta de que en realidad tengo que leer, tres o cuatro veces las cosas y ahí me quedan, y si me interesan poco es muy probable que en el tiempo me las olvide, de modo que en ese aspecto creo que hay que ser comprensible y explicar como le gustaría que le expliquen a uno. De la misma manera en todo hay que dar lo que uno quiere recibir, pero sin nos dan algo que no queremos, como que nos apreten, o nos menosprecien como en el deporte, si nos empujan devolvemos el empujón.

No se me ocurren mas cosas que decir por ahora, si se les ocurre alguna duda que quieran que responda u opine solo manden un mail o por Facebook.

Saludos,

               Sebastían Vitale.

                                          Estudios Linar.