ESTE BLOG SURGE A PARTIR DE LA NECESIDAD NO SATISFECHA DE UN LUGAR CON VIEJAS IDEAS OLVIDADAS Y REEMPLAZADAS POR UN MANUAL ESTRICTO QUE HIZO QUE SE PIERDA EL ARTE DE LA GRABACIÓN. LA PROPUESTA ES ROMPER CON LOS MITOS QUE HICIERON DE ESTE ARTE UNA RUTINA Y NO UNA CREACIÓN CONSTANTE.
Para poner una continuación de la semana pasada empezamos con este video.
La semana pasada vimos un par de formas de microfonear la batería con un solo micrófono y pensarlo en base del estilo de baterista que tenemos en frente. También vimos que para que nos puede llegar a servir un micrófono que capte todo el kit. Hoy vamos a hablar un poco de la continuación en el mundo de los multipistas que fue, grabar con dos micrófonos. Es bueno recordar que todas estas técnicas se fueron dando paulatinamente a medida que avanzaba lo que luego se convirtió en la historia de la grabación multipista. Primero teníamos grabadores de cables que tenían todos los problemas de polarización imaginables y luego fuimos mutando a la cinta, primero de un solo canal y luego sumando cabezales de grabación para poder escuchar a la vez que grabábamos nuevas cosas en otros canales.
Como recomendación les digo que investiguen un poco de técnicas de microfoneo que se usaban en los años 20, 40, 50, 70, 90, etc, porque no solo van a encontrar diferentes tipos de microfoneo sino que también, van a encontrar que los estudios se diseñaban de diferentes formas y lo que se buscaba era diferente en cada época, algunas mas apagado y seco en otro mas vivo y con un espectro sonoro mas amplio.
Ahora volviendo a lo que nos trae a este blog que es el día de hoy Técnicas de microfoneo de dos micrófonos para batería. Uno de los primeros enfoques que muchos hacen es utilizar técnicas como XY, Mid Side, par espaciado, par semi espaciado, blumain, ORTF, etc. Dado que este blog esta destinado a abrir las cabezas y no a explicar lo mismo que todas las páginas que hay solamente se las nombro para que si no conocen alguna la busquen, yo ahora les voy a dar algunas formas de ‘‘inventar’’ algunas técnicas propias y nombrarles algunas menos conocidas.
Primero unos videos que por ahí los ponen en clima
Abajo explica un poco como micfofoneó que es un Electrovoice R11 y un Shure 57. La realidad es que logró un sonido muy bueno para dos mics como esos. Uno esta arriba como over tomando todo el kit y luego un refuerzo en el bombo.
Esta técnica nos da a entender que al primero que se le ocurrió dijo; ‘’Ok, antes tenía un canal y grababa todo el kit de frente y un poco arriba, ahora siento que siempre me falta un poco de bombo, voy a poner un mic en el bombo a ver que pasa’’ les comento que seguramente ahí vivió el primer problema de fase de la historia, mas allá de que en la teoría existía en la práctica era diferente.
Esta técnica esta muy buena, por lo menos a mi gusto, esta técnica evoluciono en lo que después se conoció como la técnica de Glyn Johns que se hizo super famosa con el tema de Zeppellin when te levee breaks. Lo que me gusta de esta técnica es que se puede captar el balance tonal de los toms y los platos de una forma super natural sin ningún tipo de ecualización, que al menos en lo que es rock clásico es uno de los objetivos.
Si, un artículo corto pero si saben aprovecharlo viendo los videos van a poder mejorar mucho sus sonidos de batería. Como guía laboral les recomiendo que usen los micrófonos como refuerzo y no solo porque lo leyeron en un libro. Empiecen con un mic que tome todo y luego si le falta algo a eso sumen uno mas. O piensen en tomar la batería como una sinfónica asignándole a cada micrófono una cantidad de voces, que puede ser por ejemplo lado izquierdo de la batería y lado derecho. Piensen en que quieren que les quede centrado, si el bombo o el tambor, etc. Esta vez se los dejo un poco a ustedes el proceso de experimentar.
Como siempre, agradezco respuestas, recomendaciones, y propuestas.
Bueno, continuemos. Asumiendo que ya tenemos todo preparado a nivel acústico, ahora tenemos que llevar todo eso a nivel eléctrico. Tenemos varias formas de pensar el microfoneo de una batería, y podemos incluso utilizar varios conceptos.Vamos a empezar con técnicas de uno, dos y tres micrófonos.
Creo ya haber hablado hace mucho tiempo de micrófonos y baterías. Es todo un tema, desde lo psicológico hasta lo técnico.Lo psicológicodado que mentalmente uno creé, sin antes saber nada que grabar una batería es difícil. No se equivoca pero el hecho de que sea un instrumento multivocal y multiposicionales, dado que posee más de una voz y están colocadas en diferentes posiciones (tambor, bombo, toms, platos). Todo esto genera los clásicos problemas de fase entre canales, que es la ‘’primer’’traba técnica con la que nos encontramos, hay una regla simple que es‘’A mas micrófonos, mas problemas de fase’’.Para poder entender que es fase les dejo un resumen y después ustedes pueden buscar más sobre física del sonido peroBásicamente es:
‘’…La cancelación de fase se da cuando en una pista tienes una curva cóncava y en otra una convexa, es decir, una para arriba y otra para abajo. Al ocurrir esto los valores se anulan. ’’
Si estudian un poco más sobre esto van a saber que no solo sucede cuando esta diferencia es de 180º sino también en otras situaciones como 30º o cualquier valor excepto 0º.El problema se da cuando la cancelación se hace audible y reduce la definición del sonido.Si no existen problemas audibles no hace falta tocar nada. Sin embargo hay quienes eligen que todo suene totalmente alineado y que no haya diferencias de fase, personalmente creo que es un poco innatural, pero cada es dueño de experimentar todo o abstenerse a lo que les comento. Como decía,a mas mics mas problemas de este tipo que se dan básicamente por la distancia de los micrófonos a las fuentes. Por ejemplo el micrófono que está en el tambor recibe la señal del tambor en 5.7 e-5 (elevado a la -5)segundos, básicamente, inmediatamente. Mientras que un micrófono situado a unos 4 metros, tarda 0.01 segundos o 10 milisegundos. Entonces en el mic del tambor tenemos una señal en el segundo 0, mientras que en el over el tambor que también se escucha a 10 milisegundos de diferencia. Esto nos genera varias cuestiones.La primeraes que en uno de los dos mics sentimos más ambiente, por una cuestión tonal y de distancia. De modo que cuando levantamos el fader del canal close del tambor, y luego el over vamos a sentir al tambor más lejano, esto no es ni bueno ni malo, son solamente diferentes sonidos.La segundaes que el timbre del tambor va a ser diferente en uno y en otro. Seguramente en el close mic sintamos que es un tambor lleno de graves y medios, mientras que en el over vamos a escuchar más agudos, y con graves menos definidos. Esto se da debido a que las ondas no viajan todas a la misma velocidad y las que viajan mas rápido son las frecuencias agudas, por lo tanto llegan primero al over, mientras que en el tambor, tenemos prácticamente la misma demora entre graves y agudos, sumado al efecto de proximidad.
Este primer parámetro nos sirve para empezar a pensar en que estilo de batería queremos lograr. Por ejemplo, una batería con mucho ambiente, o con los cuerpos super enfatizados, con mucho o poco ataque. Por ejemplo un mic frente a la batería tiene menos ataque que uno atrás. Los obres y los ambientes son muy importantes en el sonido si lo que buscamos es un sonido orquestado y parejo, para lograr eso también necesitamos un baterísta que haga bien de orquestador y no uno que se quede solamente en el tambor y el bombo haciendo un beat básico de batería. Dos ejemplos claros son:
Si no logramos grabar a un baterista equilibrado y medido en sus golpes con control de la dinámica, el fraseo, el ritmo, la armonía, el tono, la intención. Ese trabajo ya no corresponde a los técnicos, sino al músico mismo. Eso sucede en todos los órdenes. Muchas veces sucede que no sabemos porque algo no termina de gustarnos como suena, pero es cuestión de saber ver los límites de la capacidad musical del intérprete para que no pidamos mas de lo que esa persona puede y no creemos un clima tenso, a veces es mejor dejar algo para mas adelante y que el músico pierda eso que existe en la primera y segunda toma. Volviendo al estilo de bateristas, ahora veamos un ejemplo donde el baterista es una pieza de dos instrumentos.
La principal diferencia en estos bateros además del estilo es el enfoque que tienen como músicos, mientras que uno es la línea de apoye de la banda el otro es un instrumento melódico propio, Tony se mezcla con los músicos interactuando de una forma libre mientras que Otto es la línea en donde todos los músicos buscan una referencia en el tiempo y en los acentos. Quizá uno de los conceptos de la música comercial (esto va para otro artículo, pero comento algo) comercial es esta, la marcación de los tiempos, mientras que el jazz es mas libre en el sentido de que se usan síncopas y contratiempos que desestabilicen a los oyentes, también por una búsqueda personal de los músicos que naturalmente tienden a hacer cosas mas complejas porque el estudio mismo del instrumento los lleva a ese camino.
Ahora volviendo a el modo de grabación, debido a que vamos a empezar de menos a más mics, vamos a empezar por los estilos mas ambientales, como tony williams.
Lo primero que podemos hacer con un baterista es poner un mic que tome todo lo que hace de la forma más pareja posible. De este modo en el primer canal que tenemos ya podemos escuchar el kit completo, es un buen comienzo para poder ir viendo como vamos a avanzar en la batería. Con respecto al micrófono del kit tenemos varias cuestiones:
1)Ambiente
2)Tono
3)Ataque
Como dijimos al comienzo lo primero que escuchamos al momento de alejar un mic es el ambiente, esto ya dijimos que se da por el cambio de tono y también en el hecho de que escuchamos la resonancia de otros cuerpos, por ejemplo el bombo que resuena con algunas frecuencias del tambor, etc. La manera de cambiar el ambiente es simple, alejando y acercando el micrófono, no hay magia en eso. Luego de eso tenemos que elegir a donde acercar o alejar el mic dado que tenemos 360º en sentido horizontal y 180º en sentido vertical (una media esfera). Lo mejor en mi opinión es ir rodeando al baterista y elegir un punto donde la batería este nivelada. Mi enfoque para escuchar el punto dulce de la batería es primero buscar el ataque, luego el tono y después el ambiente. Al revés de cómo los numeré.
El paso numero uno esta hecho que es tener un mic en donde grabando ya podamos escuchar la batería bien. Yo en general empecé a usar este mic como una regla general. Aclaro que es solo un mic, no un par estereo ni nada, la idea es un canal, una batería, por lo menos en este enfoque que estamos encarando.
Como Tip les digo que la batería de frente tiene menos ataque y mas graves que la batería desde atrás.
Aca les dejo algunos ejemplos que aunque sea con mics de cámara algunos, sirve.
Como primera escucha pueden notar que el sonido logrado es bastante normal, hasta quizá serviría como room de una batería de rock, necesitando mucha compresión. Sin embargo yo escucho un poco desalineado el tambor en comparación al resto de los cuerpos, eso puede ser por varias razones, una de ellas puede ser que tenga menos fuerza en su brazo derecho (dado que es zurdo) o el posicionamiento del mic. Personalmente siento al tambor mas lejano que al resto de la batería y eso a mi personalmente no me atrae mucho, son gustos personales ya, no lo tomen como una regla.
No solo otro posicionamiento, sino también otro estilo de batería. El sonido de la batería sirve mucho para jazz-funk, sobre todo por el sonido de bombo amplio con poca sordina. para una banda donde es todo tirando a sonidos acústicos usaría un mic de este estilo con un par de refuerzos. Esta bueno que empiecen a pensar en estilos de microfoneo que usarían para lograr cosas que escuchan.
Este último video encuentro quizás el mejor de los tres videos, puede ser por muchas razones, pero lo que se oye es una batería mas balanceada teniendo al tambor como actor principal de lo que se toca y no dejando que los toms ni los platos lo superen, con un ataque en los cuerpos justo (para lo que esta tocando), en este caso el mic esta posicionado arriba de la batería.
Como pueden ver el posicionamiento del mic da diferentes sensaciones, diferentes tonos, ataques y ambientes. Como consejo personal les digo que antes de grabar un tema le pidan a la banda un demo, ya sea de otros temas o del tema, para que ustedes puedan ir viendo que es lo que van a hacer llegado el gran momento. Digo otros temas porque en general las bandas tienen una identidad y creo que como técnicos uno de nuestros deberes es encontrar la personalidad de los músicos sonoramente en los discos, es un proceso de a dos, la banda y nosotros, que lleva mucho tiempo pero que no es imposible, si escuchan el primer disco de Divididos(40 dibujos ahí en el piso) y el segundo acariciando lo áspero van a comprender lo que digo. En el primer disco todo venía derivado de los sonidos de sumo, mientras que en el segundo se consolidan como un trío de rock único.
Como primer ejercicio podría decirles que vayan al ensayo de una banda amiga y mas allá que el sonido de la batería no sea bueno en sí, las cualidades acústicas de posición se van a mantener. Caminen alrededor, de la batería y vayan anotándose lo que escuchan, para que les puede servir eso que están escuchando e ideas que se les vayan ocurriendo a medida que oyen al baterista.
Como siempre, agradezco respuestas, recomendaciones, y propuestas.
Hoy vamos a hablar de técnicas de microfoneo de batería. Vamos a empezar de menos a más. Espero que esto sirva no solo para que aprendan quizá una nueva forma de micrófoneo, sino también como una manera de generar un concepto al momento de tomar decisiones, cada proyecto tiene sus necesidades de aire, de compresión, de sonoridad, tono, etcétera. Cada técnica de microfoneo nos brinda ventajas y desventajas que vamos a ir diciendo a lo largo de este artículo.
Arranquemos por lo básico y como siempre digo, el trabajo pre grabación que es a lo que mas nos vamos a dedicar en este artículo, no en vano, como bien saben cuando empiezan a estudiar un instrumento pasa lo mismo, primero ven la técnica para no lastimarse y después salen a tocar, acá nosotros primero tenemos que preparar los sonidos para luego grabarlos de la mejor forma posible.
Hablemos un poco de tamaños. Los cuerpos de una batería se dividen en dos proporciones, la primera ancho y la segunda largo. Cada uno de estos factores determina algo de la batería, en el caso del ancho, determina el tono del cuerpo, algo obvio. Mientras tanto el largo determina el sustain del cuerpo. Sin embargo hay mas factores que determinan el tono y el sustain de una batería.
Empecemos por el tambor. Lo primero que tenemos que saber es que generalmente el tambor se afina en LA naturalmente. La forma que podemos empezar a afinarlo es dando a cada torre 3 medias vueltas, tomando una torre inicial como referencia, luego dando media vuelta a la enfrentada, luego ir una torre hacia la derecha y hacer la enfrentada que es la que está a la derecha de la segunda torre que afinamos y así con todas.
Está claro que también se puede hacer al revés y en vez de girar hacia la derecha giramos hacia la izquierda.
Vale aclarar que esto es para parches nuevos y tanto para los parches de arriba como los de abajo. En mi experiencia personal 3 medias vueltas no es suficiente y suelo darle un cuarto de vuelta más a todo. Dado que somos imperfectos tenemos que ir controlando todo el tiempo que las torres bajen parejas, aunque nosotros demos media vuelta podemos pasarnos unos milímetros o quedarnos cortos, de modo que la forma de controlarlo es golpeando suavemente cerca de la torre (en el parche) e ir corroborando que los armónicos sean similares. Una vez que encontramos el tono que buscamos podemos pasar a la segunda fase, que es el parche de abajo o resonador.
Este parece es muy importante, quizá hasta más importante que el primero. El parche resonador es el que determina el sustain del cuerpo, y no solo eso sino también la cantidad de bordona posible en el tambor. El primer acercamiento que tenemos que hacer es hacer 3 medias vueltas y dejarlo igual que el parche de arriba. Esto funciona así de modo que cuando uno golpea el parche de arriba el sonido mueve al parche de abajo y vibran en una coherencia y no se cancela ninguna vibración, es todo natural. Pero que sucede cuando queremos lograr otra cosa, un sustain mas largo o mas corto. ¿Cómo lograrlo?
Es cuestión de razonarlo un poco. Supongamos que tenemos una cama elástica en donde nosotros queremos saltar para sentirnos una tenue mariposa en un prado lleno de esas pequeñas flores blancas suaves como el algodón y con un aroma vivo como las nubes. O quizá solo queremos intentar romperla, cualquiera es válida. Entonces tenemos esa goma que básicamente es un parche, y a ese parche lo sostienen unos resortes que son nuestras torres. Si las torres están flojas la goma saltarina esta floja y eso nos hace tener menos impulso, que en el caso de la batería sería menos rebote del palo. Pero en cuestión de sustain, cuando la goma está ajustada queda vibrando más tiempo y cuando esta floja menos. Volviendo de toda esta analogía digo que cuando el parche resonador está más ajustado el sustain es mayor y cuando esta flojo menor. Sin embargo tomar la decisión de si queremos mas sustain o menos no viene sola, sino que al apretar más el parche también cambiamos el tono del mismo y al tocar el parche de arriba se genera como un efecto doppler en el cuerpo donde escuchamos que el golpe empieza agudo y termina grave o viceversa, empieza grave y termina agudo. De modo que al momento de elegir sustain para un cuerpo tenemos que tener en cuenta esto. Otra cosa a tener en cuenta es el hecho de que si apretamos mucho el parche resonador también la bordona va a vibrar menos, lo cual tenemos que encontrar un punto medio entre todo esto.
Como siempre, agradezco respuestas, recomendaciones, y propuestas.
Pequeño video de como trabajamos en estudios linar, esperemos que les sirva.
miércoles, 23 de febrero de 2011
A pedido de uno de nuestros entusiastas lectores hoy voy a hablar de micrófonos, por lo menos de una parte. Dentro del mail que me mando este muchacho decía esto: ‘Si podes hacer un articulo que hable de específicamente de micrófonos me va a servir mucho’’. Como dije hay mucho que hablar y de múltiples formas así que voy a encararlo de una forma general como para que puedan tener un entendimiento general de para que pueden usar cada tipo de micrófono, en lo que respecta a que conviene usar para lograr cierto objetivo.
Para ser prácticos vamos a hablar de los micrófonos que se usan en general actualmente que son:
.Dinámicos
.De condensador
.De cinta
Después hay micrófonos de carbón, electret y piezoeléctricos. Quiza para un dato a saber es que los piezoeléctricos suelen usarse en mics tipo PZM para captar las vibraciones de alguna superficie y no captar desfazajes en cuanto a la señal directa y la que rebota en la superficie.
Lo que el dibujuto no dice es que también ese mic capta mucho la resonancia propia de donde esta apoyado así que si lo apoyamos en madera no es lo mismo que si lo apoyamos en metal.
Sigamos con lo nuestro, primero analicemos a los micrófonos dinámicos o también conocidos como de bobina movil:
Estos micrófonos se conforman de 4 elementos:
Estructura magnética
soporte movil
diafragma
bobina
Como podríamos deducir la transducción de este tipo de mic es electromecánica dado que convierte el movimiento mecánico de las partículas de aire en electricidad.
Para ir de a pasos y que todo quede claro y entendido partamos de entender como funciona el sonido en si en breves palabras. El aire se encuentra en un punto de reposo, como todo tiende a cero y al ahorro de energía las partículas de aire se quedan quietas hasta que alguien haga algún sonido, por mas que sea bajito el aire ya se mueve. Imaginemos un punto, simple, no se compliquen agarren una hoja blanca y pónganle un punto en el medio, ese es el punto de reposo de esa partícula de aire, una vez que decimos por ejemplo la letra ''T''. Lo que permite que escuchemos nuestra vos, o cualquier sonido es el hecho de que el aire es un medio elástico así que puede moverse, doblarse y permitir que las cosas cambien de lugar durante un tiempo. Ahora volvamos a la hoja blanca con su punto ¿lo hiciste?, hacelo, nadie se va a reír. Cuando vos decís la letra ''T'' ese puntito que representa el punto de equilibrio se va a mover para adelante, porque vos lo ''empujaste'', ahora ese punto de equilibrio se modificó y esa partícula de aire va a querer volver a su punto de equilibrio pero como tiene cierta inercia no lo va a hacer de primera, como cuando tenes un resorte parado y lo doblas para un lado y se queda haciendo una especie de mosh durante un ratito, va y vuelve, va y vuelve, eso es lo que hace el aire. Ahora imaginate que hay millones de partículas de aire asi que si yo empujo a un grupo ese grupo va a emujar a otro mas adelante pero una vez que transmita parte de esa energía al otro grupo de partículas el primero va a volver y se va a hacer un espacio entre ambos, en este proceso tenemos el sector comprimido y el sector rarefaccionado.
Acá tenemos dos fotitos con todo el proceso de un diapasón, como ven cuando le pegamos al diapasón contra la mesa se comprime por lo que se hace una compresión en en algunos sectores y una rarefacción en otra y cuando se abre el diapasón se produce el proceso inverso. En alguno de todos estos lugares nosotros metemos un micrófono para que capte este proceso. Lo bueno es que gracias a la difracción del sonido es fenómeno no es modificado casi nada, para no decir nada. Aca les dejo un video de como funciona.
Como ven se genera una onda y cundo aparece una barrera pequeña la onda sigue prácticamente igual, a medida que la barrera es mas pequeña la interferencia es menor. Si tienen tiempo chequeen los otros videos de este estilo que hay que estan buenos para entender la difracción del las ondas.
Muy bien ahora que sabemos como funciona el aire y que es la difracción, podemos empezar a hablar de el sistema de micrófonos dinámicos o de bobina movil.
Micrófonos dinámicos
Como vimos al comienzo el microfono dinámico se conforma de 4 partes:
Estructura magnética
soporte movil o diafragma
bobina
Ahora hablemos de la función de cada parte del micrófono.
1. Estructura magnética
Esto es no mas que un imán con esa extraña forma en donde tenemos a la derecha un polo y a la izquierda otro polo osea Positivo negativo, o Norte sur, como quieran llamarlo. Lo que hace esto es generar un ambiente magnético en donde si alguna de las bobinas cambia de posición se genera una corriente eléctrica que a través de dos cables se transmite a un parlante, consola o donde lo quieran enchufar.
2. Soporte movil (o diafragma)
Esto es básicamente una lamina fina que se mueve con la variación en el aire, al moverse esta está transformando energía acústica en energía mecánica y esto permite que mas tarde se transforme en energía eléctrica. esta fina lámina esta sostenida por dos pseudo resortes por llamarlos así que permiten la movilidad de la membrana (diafragma), son soportes para la misma.
3. Bobina
La definicion de bobina es básicamente ''un alambre atado a un cartón'' similar a como viene un royo de hilo, nada mas que no es entrecruzado sino que son vueltas una al lado de otra. En este caso esta enroyada entre imanes lo que hace que cuando el diafragmase mueva modifique el campo magnético que los imanes están generando en la bobina, y sacando un terminal de cada uno tenemos el Positivo y negativo de la señal
El resto es todo experimentación dado que los circuitos que tienen cada uno de los mics es diferente intentando buscar algo particular. No hay limite de tamaño para este tipo de micrófonos y lo bueno es que son bastante resistentes a los golpes de nuestras manos torpes cuando se caen, por eso se convierten en la primer decisión al hacer sonido en vivo, sobre todo para las cosas que se mueven como el cantante, o un guitarrista que le pega patadas al ampli.
Si quieren ver modelos pueden agarrar y ver en you tube comparaciones de mics, aca les dejo algunos:
En esto voy a dejar dos dibujos de como esta hecho un micrófono de condensador, en uno se muestra una parte del conexionado y en el otro la otra parte.
En el primero de los dos dibujos nos encontramos con 5 indicaciones, vamos a ver cada una de ellas.
Diafragma: ''Esto es básicamente una lamina fina que se mueve con la variación en el aire'', ¿esto ya lo leyeron no?, bueno acá es lo mismo solamente que la lámina fina es una lamina fina de metal que se mueve con las variaciones de presión, es decir cuando le hablamos en frente o hay alguno sonido que lo mueva. este movimiento implica que la distancia entre las dos placas cargadas (se explica abajo) se modifique y cambie la carga generada entre ambas placas
Backplate: como vemos tenemos en un micrófono de condensador dos plaquitas metálicas en donde esta (Blackplate) funciona como la membrana de los micrófonos dinámicos. Lo que sucede es que ambas placas necesitan una corriente para poder cargarse y generar un campo magnético entre ellas dos. para ello esta lo que en el dibujo le dicen wires carryng AC signal, que es la corriente continua famosa de 48 V o poder fantasma o phantom power, usualmente se le dice phantom en los estudios. Como ven en el dibujo los cables que llevan la corriente continua llegan a ambas placas, la del frente y la trasera, lo que hace que todo este micrófono funcione.
Metal grill: La rejilla esta no es solamente una cuestión de estética y para evitar que si se cae el mic no se pegue el piso directamente con las cápsulas o la cápsula (en caso de 2 cápsilas implica que el mic puede tomar señal con diferentes patrones) sino que esta hecha para varias cosas. La primera es para evitar cualquier interferencia de ondas eléctricas en el micrófono, por eso podemos tener un micrófono cerca de un transformador y que no haga un ruido del linea o conocido también como Hum, a esta ''jaula'' se la conoce como Jaula de Faraday, que si prestan atención y lo estudian es lo mismo que tienen los microondas para que no nos explote el cerebro, en you tube hay varios videos explicativos y muy simples. La segunda es para poner una pequeña tela anti poper, aunque no suele ser suficiente es un pequeño intento y ayuda para fuentes que no sean voces como amplificadores de guitarra o tambores, en el caso de bombos o voces ya la presión de aire es demasiado para esta pequeña pantalla. Luego esta el tema de la marca y como caracterizar al producto, que por mas arte que le metamos para Neumann el M49 es un producto que se vende y si no vende no se hace mas, así que en una marca vamos a encontrar alguna característica que sea de su pertenencia, ya sea en el cuerpo del mic, en la reja o en varios lugares del mic mas allá del logo.
Ahora pasemos al segundo dibujo en donde no vamos a volver a reptetir los items repetidos sino explicar o desarrollar los nuevos.
Perforated blackplate: Como vimos antes el micrófono de condensador tiene dos placas y la placa trasera es agujereada, esta placa es fija por lo que de ella se logran dos cosas, la primera es poder tener una descarga a tierra que es un cable que va algún metal que se toca con el terminal 1 del XLR y descarga a tierra 50 o 60 Hz depende del pais. La segunda es que al estar agujereada esta placa permite que el aire dentro de las dos placas se modifique y el micrófono pueda funcionar, sin estos agujeros el aire dentro de las dos cápsulas no se podría modificar y ninguna variación eléctrica se generaría.
High value resistor: Como ven la señal se divide hacia dos lados, la primera es hacia una resistencia de alto valor resistivo, un Megohm aproximadamente, que esa resistencia desemboca en la alimentación fantasma. ¿Para que esta la resistencia esa?. La resistencia esta para eliminar frecuencias bajas de linea y hum ya que se genera un filtro pasa altos entre el condensador y la resistencia. luego se va hacia el circuito interno pasando por un condensador que tiene la función de hace un filtro pasa bajos para eliminar todas las frecuencias super altas que solo generan problemas a los momentos de procesar una señal.
Como dije antes los modelos que hay son muchos y cada uno tiene su pro y su contra, yo recomiendo que averigüen antes que comprar por ''historia'' o porque ''es un clásico'' como me han intentado vender a mi y terminaba en charlas larguísimas de que es bueno que no y etcéteras que están buenas hasta que ya no sabemos de que hablamos.
Acá les dejo algunos videos para que vean, el primero les va a ser muy útil.
Están nuevamente de moda, y muchos ingenieros estan empezando a usarlos, de tener la posibilidad de comprarlos yo los estaría usando en este momento, pero aca en Argentina nos llegan muy pocas cosas, por eso hay que ingeniárselas y conseguir por otros lados las cosas que aca no llegan. Un ejemplo que no tiene que ver con micrófonos, ayer estaba usando un simulador de un canal de la consola helios 69 (creo que era ese modelo) y ya de arranque busque por locales de aca si se vendían los canales o ''channel strip'' con el EQ y no, así que busque afuera y los encontré a U$D1400 de modo que entre el envió y todo lo demás es imposible comprarlo a menos que acá en el estudio estemos 24 horas por día grabando y no duerma nunca, todavía abeja no soy.
Veamos como se hace un micrófono de cinta.
Asi de simple, asi de complejo.
El micrófono de cinta es no mas que una cinta dispuesta entre dos polos, N y S. esa cinta se mantiene fija entre ambos polos y se conectan sus terminales a un transformador que permite la salida que es muy baja y se genera por la variación que realiza la cinta en base a la velocidad del aire. Son micrófonos muy delicados por ese pedacito de cinta que lo caracteriza. tiene una respuesta rápida a los transients lo que permite captar un buen ataque de un instrumento y soportan mucha presión sonora. No hay mucho que decir mas que el hecho de que son micrófonos muy particulares y que fueron los iniciadores junto a los micrófonos de carbón de la grabación. Otro dato a tener en cuenta es que su patrón polar es en figura de 8 naturalmente por diseño ya que la cinta puede moverse para uno o para otro lado pero no puede moverse si le viene viendo de costado, un poco de lo que estudiamos de difracción del sonido.
Acá varios videos:
Prueba de varios micrófonos de cinta grabando la suite nº1 de bach para cello.
Bueno, eso es todo amigos, esperamos que les sirva y que lo disfruten, yo el viernes me voy a tucuman, a las tierras del hombre tucu así que hasta el 6 no hay ninguna novedad, cualquier cosa, mail.
Nos vemos este año en el estudio, espero que todo ande bien por ahí.
Hoy vamos a ver un poco diferentes tipos de Masterización. Como siempre pasa en todo negocio lo que nos dicen los ingenieros de masterización no es %100 verdad ni %100 mentira. De modo que la masterización no es algo totalmente necesario ni innecesario, solo hace falta saber para que usarlo.
Voy a poner algunas típicas frases que se leen por ahí en internet y que son bastante erradas.
.no se masteriza con un soft sino con plugins dedicados al mastering
.Para masterizar necesitas aplicar algunos de los siguientes plugins. Eq,normalizar, expansor, compresor, limitador.
.por ahora... si requieres de un buen mastering busca a alguien con experiencia (si puedes pagar, preferentemente un ingeniero de mastering profesional) para que te cubra en ese aspecto. (este muchacho JUSTO había abierto un estudio dedicado al master).
Podría buscar montones de mensajitos que dicen que hacer, que no hacer y porque hacer y no hacer. Yo personalmente armé mi propia versión basada en mi experiencia y en ver a grandes músicos laburar y dar el ok a mezclas + masters hechas con los plugins mas comunes.
Primero que todo, tenemos que tener una buena mezcla. Si es necesario mezclen 100 veces, alguna vez escuche que Quincy Jones cuando estaba mezclando Billie jean hizo al rededor de 100 mezclas y después se quedó con la primera o la segunda. Aveces la primera impresión es la mejor, la mas pura y real. Una vez que logramos la mezcla pasamos a la etapa de masterización, que le dicen pre master porque master se llama el disco master de donde se hacen todas las copias. Para encarar esta situación tenemos primero que todo haber analizado montones de canciones de diferentes estilos para ver como sonaban al final e imaginarnos el porque. Por ejemplo masterizar un tema de NIN (Nine Inch Nails) no es lo mismo que uno de B.B. KING o que uno de los ramones. No es lo mismo por muchas razónes, por ejemplo en NIN nos encontramos que ya al grabar esta todo ultra comprimido lo cual hace que el rango dinámico sea mucho menor que a uno de B.B. KING y en los ramones encontramos un punto medio entre ambos. Asi que ahi tenemos el primer puntopara tener en cuenta al momento de masterizar, saber que es lo que estamos masterizando en cuestiones de rango dinámico. Yo soy una persona que respeto al máximo las decisiones artísticas de los músicos, es decir que si hay mucho rango dinámico lo respeto y no lo comprimo al máximo solo porque la radio pide eso o porque el mercado actual es así, ya el mercado bastante mal le hizo a Hendrix cuando le cortaba los temas a 3 minutos para pasar en la radio.
Una vez que sabemos que canción estamos masterizando comenzamos por equilibrar el balance de tono del tema, quizá ya este todo perfectamente mezclado y no haya que hacer nada, eso es aveces lo mas difícil de notar, saber que no hay que hacer nada y dejarlo como esta, como también es importante notar cuando es necesario hacer algo. básicamente yo lo que hago es poner un filtro pasa bajo (al rededor de 70 Hz) y pasa alto (en 16000), eso le saca el sonido bola que pueda haber en los bajos y le quita el hiss de los agudos molesto de los platos o instrumentos chillones. Que quede claro que cuando digo hiss no me refiero a al hiss de ruido de linea o de cinta sino a las frecuencias muy agudas, personalmente nunca me molestó el hiss y rara vez lo saco a menos que sea exagerado y moleste, pero cuando grabo yo me encargo de buscar la forma que no haga hiss ya sea cambiando cables o de entrada o incluso restando ese canal para grabar si es necesario. después veo en el rango medio medio alto medio bajo que hace falta y voy corrigiendo, siempre me fijo en que si subo un eq le bajo a la salida, como el dicho ''Sube tus entradas y baja tus salidas'', esto es para que el ruido no aumente. Una vez que consigo balance tonal y nivel paso al siguiente paso que suele ser un compresor multi-banda. Con este me fijo de controlar el rango dinámico de cada banda y de paso lo uso como un ecualizador más., nuevamente chequeo el nivel de salida.
Luego uso un de esser (el de waves así como viene lo pongo y lo dejo) y un limitador.
Lo importante no es esta parte de los plug ins porque cualquiera puede poner esos plug ins en ese orden pero no todos pueden utilizarlos bien. aca les voy a subir 3 audios masterizados diferentes.
Escuchen ustedes las 3 diferencias y si tienen duda preguntenme por mail o en facebook o cualquier medio que yo respondo.
A una oida muy rápida que hice yo puedo notar que en la suave los instrumentos tienen muchísima mas independencia y libertad, es claro que el tema es como super tierno y bla bla bla, pero quizá para un tema mas roquero la dura sieve mas
Si ven el volumen en los 3 es el mismo solo que lo que varía es lo que pasa antes, otro problema que suele pasar es que se exige volumen y siempre pregunto lo mismo, ¿Para el volumen no hay una perilla en los equipos, para que sacrificar calidad de audio por no usar una perilla? Obviamente si estoy a favor del uso del master como herramienta artística pero no para cumplir con requisitos que alguien cualquiera inventó. Por ejemplo en un tema de NIN si justifico que este todo super comprimido y sin rango dinámico, porque esa es su elección artística pero en el punto que oigo discos de sinfonías de Tchaikovsky super comprimidos ya el uso del master es un mal gasto total que encima perjudica a la música y es lo pero de todo eso.
Personalmente les recomiendo que agarren temas y los abran en el sound forge o alguno que deje ver bien la forma de onda y analicen como se ven los temas que a ustedes les gustan de diferentes estilos y piensen como lograr eso que escuchan, compresores de ataque lento, rapido, boost en agudos, etc etc. Para lo que es master en youtube hay videos copados sobre todo los de los raperos.
Hoy vamos a hacer varias apreciaciones de cómo grabar guitarras acústicas. Vamos a usar varios tipos de micrófonos y varios tipos diferentes de técnicas de microfoneo. Al final del artículo les dejo el link de megaupload o los links en Wav.
Primero antes de empezar voy a nombrarle aca los micrófonos que vamos a usar:
Shure sm 59
Shure A 10
AKG perception 420
Samson C01
Samson C03 (figura de 8)
Arranquemos por donde nos enseñan en las escuelas, 1 micrófono frente al traste 12 a unos 15 cm aprox.
En las carpetitas van a encontrar una carpeta que dice ‘’Traste 12 a 16cm’ Ábranla y ahí van a encontrar archivos de audio con el nombre de los mics.
La segunda técnica de microfoneo es abajo del traste 17 aproximadamente a unos pocos centímetros de la madera, esta forma la encontré yo experimentando con un micrófono (el 59) y me había gustado mucho.
En las carpetitas van a encontrar una carpeta que dice ‘’Madera’’ Ábranla y ahí van a encontrar archivos de audio con el nombre de los mics.
Ahora sigamos con otra forma que de alguna manera es un Mid Side simulado. Esta técnica surje de mi necesidad de hacer que la guitarra suene mas amplia en el paneo, sin la necesidad de doblarla. Para esto decidí hacer un mid side en el traste doce, pero me encontré con un problema y es que la guitarra que quedaba paneada hacia un lado, (Dependía de donde ponía el mic invertido de polaridad)esto era debido a que el side estaba por un la do de la figura de 8 apuntando a la boca de la guitarra y el otro lado a la sala, de modo que la presión que recibía el mic era despareja. Así que lo que hice fue poner el side justo en frente de la boca y el mid en el traste 12 o el que me pareciera, y así conseguí un panorama mas amplio de la guitarra que me sirvió mucho sobre todo para grabaciones de una sola acústica y una voz donde necesitaba llenar espacio.
Les voy a poner un solo ejemplo del mid side junto (Ambos en el traste 12) y después La otra forma.
Voy a usar de side siempre el C03 y como mid a los demas, voy a intercalar los microfoneos, es decir no van a ser todos en el traste 12 o en la madera, ustedes oigan bien y deduzcan cual es, ya tienen los audios anteriores.
En las carpetitas van a encontrar una carpeta que dice ‘’Mid side’’ Ábranla y ahí van a encontrar archivos de audio con el nombre de los mics.
En esta carpeta ademas de todos los mid side tiene un Bluemein que es dos mics en figura de 8 que formanuna X siendo cada punta de la Xuno de los polos de captación.
Empecemos con el análisis de cada uno
Traste 12 a16 cm
1.Shure sm 59: Tiene un sonido de graves bastante feo y sin peso, es como un montón de frecuencias graves ahí tiradas y desordenadas que le sacan claridad a la guitarra, pero por otro lado los medios altos son realmente bonitos, sobre todo el sonido del rasgueo y los armónicos que le siguen para arriba. Si buscan en Internet el micrófono van a ver que es pequeño así que era de esperarse que los graves no fuesen buenos. Sin embargo a este mic yo lo suelo usar siempre en acústicas para conseguir el rasgueo, todo el resto lo filtro con un pasa bajos y afuera.
2.AKG Perception 420: Los graves me siguen pareciendo feos, e innaturales de hecho,pero eso ya tiene que ver con la técnica de microfoneo, sin embargo en este micrófono encontré unos medios graves muy claros, se nota sobre todo cuando en el segundo 0.23 empieza a hacer una bajada en la cuerda 6. los medios me parecieron bien, quizá podría bajarle un poco dependiendo del estilo y los agudos están al límite de lo molesto, por eso elijo los del 59.
3.Shure A 10: Lindo sonido para una segunda guitarra en un tema de rock como por ejemplo la Reina de Marte de Massacre o algo por el estilo. Tiene muchos medios pero exceptuando eso, es el más parejito que encontré con esta técnica de microfoneo. Cabe nombrar que es un micrófono dinámico como el 57 asi que la respuesta al impulso es mucho mas lenta lo que trabaja como una especie de compresor lo cual esta bueno dependiendo el uso, a este mic lo clasifico así, un micrófono roquero.
4.Samson C01: Me gusto para un uso general, es un mic que a mi me gusta, hay algo que quizá se hace ver en los grandes manuales de audio y es el uso de equipos ‘’profesionales’’, y la realidad es que tales equipos no existen, o por lo menos como yo lo veo. Este mic cuesta alrededor de $430 (Pesos) y a mi siempre me funciono, para tareas varias, tiene algo raro que le da un sustain y pseudo mistisismo que me encanta y seguramente sería mi primer opción para grabar una acústica como las de yes o Jon Anderson. Es una muy buena opcion y a un precio realmente accesible, incluso ahora salio el que tiene una interfaz interna, osea que con un cable USB conectas y listo, tenes tu mic para grabar.
5.Samson C03: Básicamente un quilombo de graves extremo, y en este caso se da poorque el mic esta en figura de 8 y la salita donde grabamos es bastante pequeña, recuerden siempre que mientras mas grande sea la sala mejor, mientras no sea una bola de reverberación. Pero de esa forma evitan ondas estacionarias bastante molestas.
Madera
Como ejercicio estaría bueno que pongan las tomas de ‘’traste 12 a 16 cm’’ y vayan oyendo las tomas del mismo mic.
1.Shure sm 59: Escuchando lo primero que grabamos con el 59 encontramos inicialmente que hay mucho mas cuerpo en la toma, mas alla de que sean dos piezas diferentes el balance tonal es mucho mas parejo en esta toma que la anterior, subiendo solo un poquito de agudos ya esta técnica esta para mezclar prácticamente. El rango medio-grave de frecuencias bajó bastante y le dio mas claridad al instrumento, personalmente cuando voy a duplicar guitarras o triplicar o cuantasquierauplicar uso esta técnica con este micrófono.
2.AKG Perception 420: Sigue estando pasado de graves pero mucho menos, pero a favor tenemos que los medios y los agudos están mucho mas presentes lo que nos hace ecualizar mucho menos que al fin y al cabo es el objetivo de todo este trabajo, tanto de este artículo como el del estudio y el de cualquier técnico.
3.Shure A 10: en este micrófono me gustó mas la toma del traste 12 (evitar chistes, aunque les paso uno para decirle a sus músicos cuando afinan, le dicen: Tirame la con el traste al aire’’) esta la encontré mas desbalanceada y con el ecualizador que tengo a mano probando tardé mas y quede menos conforme en cuanto al resultado, así que por ahora 2 a 1
4.Samson C01: No encontré grandes cambios que hagan la diferencia mas que los graves que en esta toma de madera estan mucho mas controlados. 3 a 1
5.Samson C03 (8): Un panorama poco claro, pero seguramente este mic a un poco mas de distancia estaría bueno para una intro que suene chiquita y que después arranque el tema con todo.
Mid side
Esto no es mas que una extensión de lo antes dicho, lo que esta bueno es que se abre mucho el paneo y nos rellena mas espacio lo cual si hay pocos instrumentos es bastante útil. Fijense cual les gusta mas, que usarían para que y prueben ustedes en su casa cosas, un par de auriculares un micrófono y mover la guitarra hasta que digan ‘’este es el sonido que quiero’’. Un tema que no marque es que no busque la sala que mejor sonara la guitarra que es el segundo trabajo, a mi personalmente me gusta como suena el baño que hay acá, porque los azulejos dan unos agudos que me gustan mucho y como el baño es pequeño no hay tanta reverberación.
Como digo siempre, no confíen en los manuales ni en la típica ‘’sala acustizada’’, muchos discos famosos fueron grabados caseramente, como Porcupine tree, aca les dejo un link del estudio que usan por lo general (http://www.youtube.com/watch?v=gnHmrN7_eOw&feature=related), de hecho se ve a un contrabajista grabando en un cuartucho cualquiera de la casa. Acá les dejo uno de los resultados finales diríamos (http://www.youtube.com/watch?v=xa4ZKXU9oNg).
El arte de grabar no es muy distinto de cualquier otro arte, un pintor experimenta montones de formas de pintura hasta que encuentra la propia mediante la experimentación. Sino me creen vean todas las épocas de Picasso.
De modo que esto que les mostré no es mas que parte de mí búsqueda y estaría buenísimo que ustedes experimenten y compartan así nos vamos todos para arriba en todo sentido tanto de trabajo como de conocimiento y calidad de grabación e interpretativa en el caso de los músicos. Para que los músicos sigamos viviendo, por lo menos los independientes tenemos que apoyarnos realmente y comprar discos, apreciar el arte de un disco, interesarnos en mejorar e ir a clínicas de quienes nosotros pensamos que saben mas, y generar un círculo en donde todos podamos crecer. Esperemos que de a poco se entre en conciencia que si hacemos todo el arte gratis no va a haber mas artistas, pero si muchos mas administrativos, porque nadie va a poder vivir del aire.
